PABELLON FINLANDES PARA LA EXPOSCION UNIVERSAL DE NUEVA YORK EN 1939 – ALVAR AALTO

Para acabar toda esta ráfaga de pabellones y exposiciones internacionales, nada mejor que hacerlo con nuestro arquitecto más alabado, es decir el gran Alvar Aalto. Hoy os presentamos el pabellón que le catapultó a la fama en su etapa americana en los años cuarenta.

La adjudicación del concurso se produce poco tiempo después de su sonado éxito con la construcción del pabellón de Finlandia para Paris de 1937. Gracias a este reconocimiento el matrimonio Aalto  fue invitado por primera vez a los Estados Unidos. Este desembarco en tierras norteamericanas se produjo de la mano del  MOMA de Nueva York para una exposición de su mobiliario, en el otoño de 1938.

Si en el concurso parisino, Alvar y Aino se adjudicaron los dos primeros premios, en este se llevaron el triplete.  Después de un desinterés inicial de Aalto por el concurso, aparecieron unas súbitas y repentinas ganas de presentarse al mismo. El maestro finlandés actuaba en numerosas ocasiones por impulsos, y la decepción de no haber ganado un  concurso para una biblioteca universitaria le llevó a tomar la alocada decisión de presentarse a la convocatoria neoyorquina cuando el plazo estaba a punto de expirar. Según palabras de Lisbeth Sach (colaboradora del estudio) “los tres  proyectos se ejecutaron en tres largísimos días con sus noches incluidas”.

Bocetos previos – Pabellón de Nueva York

Con este proyecto se afianza la nueva etapa que recientemente había comenzado el estudio de Aalto alejándose del estilo internacional, y realizando una arquitectura mas orgánica donde se realiza una síntesis perfecta de la arquitectura moderna con una arquitectura más anónima fruto  de la tendencia finlandesa por el mundo vernáculo.

La versión  definitiva se desarrolló entre agosto de 1938 y abril de 1939.  Si lo analizamos en relación al concurso viene a ser una mezcla de las tres propuestas premiadas. Conviene  recordar que  en el último momento se produce un cambio de emplazamiento, y a varios países se les asignará un nuevo contenedor donde insertar su pabellón, lo cual complicaría aún más la redacción del proyecto definitivo.

El proyecto tuvo una acogida espectacular por la crítica estadounidense que lo aclamó como la más interesante e innovadora intervención de toda la muestra. Incluso el mismísimo Wright declaró que esta obra sólo la ha podido hacer un genio de la arquitectura. A partir de aquí los dos maestros siempre se mostrarían mutuo reconocimiento.

Toda esta aventura americana les sirvió a nuestros protagonistas para realizar contactos que en breve les posibilitarían escapar del horror de la segunda guerra mundial. De esta forma Alvar llegó incluso a ser profesor en el MIT, donde terminaría construyendo la residencia de estudiantes de la universidad.

Esta brillante etapa aaltiana tiene un triste final con la muerte por cáncer de Aino Marsio, en 1949, lo cual supuso un duro varapalo para Alvar. Esta tragedia coincidiría con su vuelta a una Europa desolada por  la guerra, y donde Aalto llevó su arquitectura hacia un discurso mucho más humano (si es que aún era posible), donde la mayoría de los textos iban dirigidos a “ese pequeño hombre común” que tanto le gustaba analizar al genio finlandés.

Esta evolución hacia planteamientos más orgánicos también se pone de manifiesto en una  fuerte tendencia hacia las líneas curvas. Se puede decir que esta “obsesión” por las formas más blandas se empieza a poner en evidencia en el techo de la sala de conferencias de Viipuri para acabar siendo el centro de su trabajo en sus famosos jarrones y cuencos de vidrio  que Aalto desarrolla en esta época. El  jarrón para el restaurante Savoy de 1936 es un buen ejemplo, donde el arquetipo del lago finlandés se apodera de su trabajo. Stuart Wrede  hace una interesante comparativa entre el jarrón y el pabellón que hoy tenemos entre manos “el jarrón no solo se ondula en un plano sino que la película de vidrio se reclina más allá de la vertical, tal como lo hace la pared de la exposición en madera y contrachapado de la feria”.

Jarrón Savoy

El pabellón de Nueva York sigue la línea metafórica del pabellón de París.  La intervención es una representación del pueblo finlandés, que a través de la arquitectura consigue mostrar su esencia.

Aalto renuncia a imagen típica de pabellón de exposiciones, y apuesta por una caja neutra, prácticamente ciega que encierra un gran tesoro en su interior.

A este punto Luis Ángel Domínguez comenta “la luz se controló restringiendo su entrada mediante ocho lucernarios longitudinales paralelos a la fachada de acceso. Unas pantallas interiores evitaban el asoleo directo en el interior, una celosía tamizaba la luz, convirtiéndola en una auténtica luz del norte difusa y uniforme”

Solamente se permite el “lujo” de colocar  en una de las fachadas una pequeña escultura a modo de abedules, tamizando una ventana horizontal, por donde treparían las viñas plantadas en su base.

El  espacio exterior y el interior no tienen ningún tipo de relación. La entrada al edificio se produce por un espacio muy comprimido, frente a la recepción, con un techo bastante bajo, que te lleva en la sala principal donde se produce una descompresión del espacio.

El vacío es el tema,  que genera el proyecto y como comenta José María Jové Sandoval “es un espacio alrededor del cual se suceden acontecimientos, espacio que no es imprescindible recorrer, salvo circunstancialmente, en consecuencia diferente al espacio del bosque. Esta idea a modo de piazza aparece con frecuencia en sus edificios. Su espacio se ordena según el concepto de vacío, a semejanza de un lago”.

 Aquí Aalto juega a crear un universo particular enfatizado aun más si cabe, por el contraste que se produce al entrar en este mundo mágico. Se puede considerar una sublimación teatral donde el efecto sorpresa predispone a percibir un espacio dinámico y sorprendente. Aalto va mas allá de una recreación del país, la arquitectura se convierte en una representación del propio  país, el concepto de metáfora se queda corto para expresar lo que el maestro finlandés fue capaz de conseguir con este edificio.

Sobre este espacio interior  es muy sugerente el comentario de Bruno Zevi “ninguna fotografía podría dar idea de la experiencia psicológica y estética experimentada por el que anda por la sala”

image © ezra stoller

Así que el proyecto se centra en la consecución de un escultórico espacio interior donde las paredes del mismo se realizan con  entramados de madera que van combinado tramos rectos con otros curvos.  La madera no se elige por casualidad, pues nuevamente es un material de uso  habitual para la construcción de los espacios habitables finlandeses, por lo que adquiere carácter simbólico respecto  del pueblo al que representa el pabellón.

Estamos hablando de un triple muro curvado en donde la disposición del espacio revela su  amor por la naturaleza, tanto desde la pasión por  los bosques y los lagos que pueblan todo el país, como por  la inclusión de esta serpenteante fachada interior a modo de metafórica aurora boreal. Ésta representación del fenómeno atmosférico propio del norte de Finlandia terminó convirtiéndose en el leit motvi de la intervención.

ALVAR AALTO                                            PEDER BALKE NOTHERN LIGHT

Los más de quince metros de altura del pabellón se dividían en cuatro niveles, donde en cada uno de ellos  se muestran diferentes fotografías (con marcado carácter propagandístico) de gran formato de su país. Estos paramentos verticales se situaban en forma de cascada escalonada y  de manera oblicua a las rígidas paredes exteriores, siendo iluminados con focos que proyectaban luces de colores. Con estos mecanismos visuales Aalto consiguió crear una compleja tensión espacial en interior del recinto convirtiéndolo en una especie de instalación artística.

En el cuarto nivel había fotografías del paisaje del país, en el tercero se encontraban fotografías de la población, en el segundo había fotografías de la industria y en la planta de acceso se mostraban diferentes productos que en ocasiones se relacionaban con lo que se veía en los pisos superiores.

Entre este material de exposición  se encontraba abundante mobiliario del propio Aalto. La sensación general de este nivel de acceso era que pareciese una especie de bazar. En palabras del propio maestro “he buscado la mayor concentración posible, un lugar repleto de mercancías superpuestas y productos industriales. No era tarea fácil reunir estos elementos y formar un conjunto armonioso… La exhibición de objetos como tal no pueden proyectar una imagen viva de un país. Esto solo puede hacerse de forma convincente mediante la atmósfera que ellos evocan juntos, a través de una totalidad que se comprenda instintivamente.”

El espacio no se percibe de una forma estática, es un continuo devenir de diferentes puntos de vista que nunca terminan de conquistar todo el espacio. El pabellón tiene vocación de recorrido, es una autentica promenade.

Como comenta a este respecto Moisés Puente  “los ojos del espectador se movían en todas las direcciones, en vertical, en horizontal abrumados por la cantidad de productos heterogéneos yuxtapuestos en un conjunto unitario, como en un bazar; quesos junto a hélices, telas bajo esquís, etc.”

Aun así no todas las paredes  que proyecta el maestro nórdico son tan complejas, sino que en la parte que queda a la derecha de la entrada y se aprovecha de la ventana corrida antes descrita, realiza una recta y sencilla balconada para el restaurante. Esta parte del pabellón consta de dos plantas y  se levanta enfrenado a la escultórica pared curva. En esta parte de carácter mucho más sosegado se pueden contemplar desde una posición privilegiada los montajes que se colgaban en la pared de enfrente.

Como vemos en la imagen inferior, la  planta del proyecto tiene un curioso parecido con el sillón de madera laminada realizado años antes para el sanatorio de Paimio.

Sillón diseñado para el sanatorio de Paimio

En este pabellón de Nueva York nos encontramos con el Aalto más libre, con el artista, con el arquitecto que se escapa de su corsé y se transforma en auténtico sociólogo para entender la idiosincrasia de su pueblo.

Metáfora, símbolo y representación aparecen en perfecta simbiosis dando cuerpo las la parte más humanista y escultórica del maestro. Es pura magia que se escapa a cualquier razonamiento, es la esencia misma de la arquitectura la que está presente en este proyecto. Alvar nunca volvió a realizar espacios tan extremamente abstractos y a la vez icónicos como este. Y lo más asombroso e insólito de la intervención,  es que aun con semejante despliegue plástico, la forma no surge del espectáculo sino que viene de la mano de la más absoluta funcionalidad.

Y nada mejor para terminar el artículo que una cita de uno de los mayores expertos en la obra del nuestro protagonista de hoy; Antón Capitel “El pabellón fue sin duda uno de los espacios experimentales más atractivos y espectaculares de la arquitectura moderna. Supuso la confirmación de un modelo de hacer con el que Aalto, dentro ya de una práctica plena de la arquitectura moderna, definía un modo tan personal como avanzado y poco convencional en el interior de la misma.

El Edificio  tiene cierta apariencia aleatoria en la forma, falsamente gestual o improvisada, y magistralmente modelada. Todo ello al servicio del carácter y del programa, y todo ello, genialmente efímero y ferial”

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Autores del post: Stepienybarno _ Agnieszka Stepien y Lorenzo Barnó

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